20th August Woods concert

IMG-20150821-WA0004IMG-20150821-WA0003

Levitation is probably the noun which could describe how I felt yesterday. After a hard day’s work I decided to go to one of the newest clubs in Hackney called Oslo. That night, Woods were on stage.

To be my first concert in London I must say it wasn’t surprised me. I knew I would enjoy the experience of music culture I always have expected from UK. All I’ve ever imagined since I was a child became true in my mind when I arrived and amps and speakers were vibrating. Firstly, I tested it with the supporting band, “The Ultimate Painting”. I could appreciate soon the Ray Davies influences. They took the sound from The Kinks latest albums sixties with amazing and good vibrating songs like “Ultimate Painting”. It reminded me those years of “Waterloo Sunset” with their pasted voices and their funny riffs. “Rolling in the deep end” was another that specially liked me because of its melancholic voice line catches you. Finally these four guys became in a sort “Creedence Clearwater Revival” and closed their show playing “Ten Street” with a great extended and powerful jam session. Conclusion, a decent band to collect their albums in your little hideout.

Then Woods arrived, with its discreet members who kept the mistery throughout the gig. What can I say about one of that bands you haven’t heard it about but you know their songs? They dropped a bomb. An spectacular beginning as a result of their folk sound with those psychedelic passages that seemed becoming the theme of the concert. Everything was fluent, with a perfect order. Expanding the songs beyond with large guitar solos, essential organs, seventies drums rhythms… The versatile frontman dressed all with his particular high tone voice and he embellished the stay in a day which seemed normal. A band totally able to go since energic folk with songs like “Cali in a cup”, “Leaves like glass” (which seem the bonus track of “Highway 61 Revisited”) until dark shadows of rock “West Coast Pop Art Experimental Band” used to play (“With light and with love”) . All of this with a sort considerable of psychedelic environment.

Conclusion, my first music trip in London which didn’t dissapointed me as I expected. Went back home with good taste in mouth and exhausted legs as well 😀

Regards!
20th August Woods Concert

Advertisements

Trabajo de documentación: THE DOORS

images

The Doors fue una de las bandas de rock estadounidenses más influyentes dentro de los movimientos contraculturales surgidos en la década de los 60. Entre sus componentes se incluyen al baterista John Densmore, el guitarrista Bobby Krieger, el teclista Ray Manzarek y el mítico y controvertido líder, poeta y cantante, Jim Morrison.

Considerados expertos en combinar poesía y teatro en sus conciertos, The Doors ocupa el lugar de banda underground por excelencia durante su corto período de existencia. Publicaron su primer álbum en 1967 el cual escaló a los primeros puestos de las listas de éxitos con los tan conocidos “Break on through” y “Light my fire”; esta última ópera prima del guitarrista Bobby Krieger. Con la muerte prematura de Jim Morrison la banda trató de seguir adelante lanzando dos álbumes más pero la pérdida de su componente más experimental, casi un profeta, les hizo disolverse en 1973. Su amplitud musical, la gran capacidad instrumental de sus miembros, el talento literario de sus letras, así como su atmósfera envolvente y las performances de Jim Morrison durante sus conciertos argumenta su ascensión a la fama en cuestión de un par de años.

Todo comenzó de la mano de Jim Morrison y Ray Manzarek al encontrarse un verano de 1965 en la playa de Venice (California). Ambos estaban estudiando cine. Jim llevaba tiempo queriendo formar una banda, así que le enseñó sus letras a Ray, las cuales le fascinaron. Al principio el proyecto de Morrison tenía pensado llamarse “The Doors of perception” pero posteriormente, debido a cuestiones de marketing el grupo acortó el nombre para finalmente convertirse en “The Doors”.

El nombre de la banda hace referencia al libro de Aldous Huxley titulado “Las puertas de la percepción” en el cual se incluye una cita del poeta William Blake cuya obra marcó la trayectoria de Morrison: “Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito”.

DoorsofPerception

Por aquel entonces, en aquel día de verano tan señalado, Ray Manzarek se encontraba en una banda con sus hermanos llamada Rick & The Ravens. Al ingresar Morrison en la banda sus miembros no aprobaron sus letras, por lo que terminaron abandonándola. Les llegaría el turno a John Densmore y Bobby Krieger. Comenzaba así el proyecto el cual Morrison se situaba como líder y “alma máter” literaria de The Doors.

Durante los dos años previos a la grabación de su primer álbum homónimo, The Doors recorrieron todas las salas de Sunset Strip (Los Ángeles) actuando y ofreciendo su particular visión acerca de la realidad en forma de canciones. Jim solía actuar dando la espalda al público dado su pánico escénico e improvisaba ciertos pasajes de sus canciones con las ideas que se le iban ocurriendo. Durante el mes de agosto de 1966 asistió el presidente de Elektra Records, Paul A. Rotchild acudió al Whisky a Go-Go y tras ver a los Doors decidió que debían publicar lo que supondría su primer álbum. Con este primer trabajo y su “Light My Fire”, la banda pronto fue catalogada junto a The Grateful Dead y Jefferson Airplane como una de las mejores bandas estadounidenses de 1967.

Siempre ligado a la cultura del misticismo y todo lo relacionado con los rituales Jim Morrison solía consumir sustancias alucinógenas tales como el LSD o el peyote además de tener costumbre de acompañarse siempre de una botella de bourbon a sus sesiones de grabación.

Ciertas son las condiciones en las que se produjo la composición “The End”, la cual fue preciso dedicarle varias jornadas debido a la embriaguez con la que, a menudo, Jim solía presentarse en el estudio; lo que impedía dotar de sentido a la canción. Terminó siendo grabada a oscuras siendo iluminados tan solo por una vela y Jim cantando en su pose habitual shamanística y sus particulares alaridos y delirios con la voz. Resultó ser una experiencia extrasensorial y una confesión íntima y ultra sensitiva sobre una supuesta ruptura con su ex-novia Mary Werbelow pero a mitad de canción esta se torna en un recital claro referente al complejo de Edipo. Su pasaje más analizado dice así :

-Father? (¿Padre?)

-Yes, son (Sí, hijo)

-I want to kill you… (Quiero matarte)

-Mother, I want to… fuck you… all night long!! (Madre, ¡quiero… follarte… toda la noche!!)

En la grabación de estudio la frase dedicada a la madre resulta ininteligible pero esto es lo que solía improvisar durante sus actuaciones. De hecho, durante la misma semana que fueron contratados por Elektra Records fueron despedidos y vetados del Whisky a Go-Go por la controversia que generó la letra.

Tal y como afirmó Morrison en 1969, la pieza resulta tan compleja que la canción puede adoptar múltiples significados. Comenzó como una pieza improvisada con la que cerraban sus actuaciones la cual contenía pasajes que Morrison solía improvisar con cada cosa que se le iba pasando por la cabeza:

Cada vez que oigo esa canción, significa algo más para mí. Comenzó como una simple canción de despedida … Probablemente sólo a una chica, o podría ser un adiós a una especie de infancia. Realmente no lo sé. Creo que es tan suficientemente compleja y universal en su idiosincrasia, que podría ser casi cualquier cosa que quieras que sea”.

En la autobiografía de John Densmore, “Riders on the Storm”, recuerda cuando Morrison explicó de nuevo el significado:

“En un momento Jim estaba llorando, y gritó en el estudio, “¿Alguien me entiende?” . Y le dije que sí, que yo lo hago, y en ese mismo momento entramos en una larga discusión, Jim seguía diciendo…matar al padre, se reduce a esto, matar a todas esas cosas en ti mismo, que te han inculcado, que no son tuyas, son conceptos ajenos que no vienen de ti mismo y deben morir. Joder a la madre es muy básico, y significa volver a la esencia, a lo que es la realidad, no la interpretación de los hechos. Así que lo que Jim dice al final de la canción, es que hay que matar a los conceptos ajenos, volver a la realidad, al comienzo de los conceptos propios no los inculcados” .

Break on through” es otra de las canciones clave de su álbum debut y se centra en el concepto del “otro lado”. Aunque no se tienen datos exactos sobre los cuales se inspiró Morrison para escribir esta pieza, encontramos dos fuentes trascendentes de las que Jim Morrison bebía filosóficamente. Por un lado tenemos la obra de William Blake, de la cual era un claro devoto; y, por el otro, la obra escrita por Aldous Huxley en 1954 : “Las puertas de la percepción”, cuyo título fue extraído para su nombre de grupo. En su lanzamiento, la canción no tuvo mucho éxito alcanzando sólo el puesto 126 en el Billboard Hot 100 pero hoy día es una de los himnos rock por excelencia y una fantástica oración a la psicodelia.

El concepto de la existencia de unas puertas que nos llevan a una realidad inmaterial desconocida y el modo de llegar hasta esa realidad fue tratada por primera por el ilustre poeta, pintor y gravadista inglés William Blake. Su obra “La boda del cielo y el infierno” (1793) contiene las citas clave :

Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito”. Para el hombre que se las ha cerrado a sí mismo, todavía ve las cosas a través de las estrechas grietas de su caverna.

Hasta 1954 no se volvería a hacer referencia a este concepto hasta que apareció Aldous Huxley con su marcada obra comentando de nuevo acerca de las puertas:

Arte y religión, los carnavales y las saturnales, bailes y escuchas oratorias. Todo esto ha servido, según la frase de H.G. Wells, como Puertas de la Muralla. Y para los privados, para el uso diario siempre ha habido intoxicantes químicos”.

En 1967, la revista Newsweek publicó un artículo en el cual señalaron la ascensión del primer álbum de The Doors a las cabezas de lista en donde Ray Manzarek hablaba del origen del nombre del grupo y de la canción que responde perfectamente a la idea que él y Morrison defendían y que parecía la reflexión de un verdadero discípulo de Blake:

“Hay cosas que se conocen y cosas que se desconocen y en medio están las puertas: nosotros. Estamos diciendo que nadie es solamente un alma, sino un ser sensual y completo. Y para convertirse en un ser íntegro uno debe atravesar hacia el otro lado“.

Resulta pues, totalmente concebible la influencia de W. Blake y A.Huxley en Morrison y Manzarek y, por lo tanto, el hecho de elegir “The Doors” como nombre para la banda.

BREAK ON THROUGH

You Know The Day Destroys The Night (Tú sabes que el día destruye la noche)

Night Divides The Day (La noche divide el día)

Tried To Run (Traté de correr)

Tried To Hide (Traté de esconderme)

Break On Through To The Other Side (Atraviesa hacia el otro lado)

We Chased Our Pleasures Here (Perseguimos nuestros placeres aquí)

Dug Our Treasures There (Enterramos nuestros tesoros allá)

But Can You Still Recall (pero, ¿puedes recordar todavía cuando llorábamos?)

The Time We Cried?

Break On Through To The Other Side (Cruza al otro lado)

Everybody Loves My Baby (Todo el mundo ama a mi nena)

She Get High (Ella se droga)

She Get High (Ella se droga)

She Get High (Ella se droga)

I Found An Island In Your Arms (Encontré una isla en tus brazos)

Country In Your Eyes (Un país en tus ojos)

Arms That Chain Us (Brazos que nos encadenan)

Eyes That Lie (Ojos que mienten)

Break On Through To The Other Side (Cruza al otro lado)

Made The Scene (Contruida la escena)

Week To Week (Semana tras semana)

Day To Day (Día tras día)

Hour To Hour (Hora tras hora)

The Gate Is Straight (El camino es directo )

Deep And Wide (Profundo y ancho)

Break On Through To The Other Side (Cruza al otro lado)

Break On Through (Cruza)

Yeah (Sí) x5

Yeah

Yeah

Yeah

Yeah

Siguiendo con el legado de William Blake cabe mencionar que la letra “End of the Night” supone una clara evidencia de la influencia literaria del poeta inglés en Morrison. Este cita unos versos del poema “Augurios de Inocencia” :

Some are Born to sweet delight / Some are Born to sweet delight / Some are Born to Endless Night’

(Algunos nacen para el dulce deleite/ Algunos nacen para el dulce deleite / Algunos nacen para la noche interminable)

Constantemente en entrevistas, Jim Morrison ha citado referencias de la obra de William Blake “La boda del cielo y el infierno” o “Canciones de Inocencia y Experiencia”:

En una entrevista con Lizze James en 1969 hablando sobre su apocalíptica visión en su primer álbum contestó :

‘Solía parecer posible generar un movimiento … todos habían puesto su fuerza juntos para romper lo que Blake llama “los grilletes mentales forjados” … Los tiempos de amor de la calle están muertos’.

Otra de sus referencias a Blake era sobre el misticismo erótico, por la cual Morrison sentía un gran afán. Cabe mencionar el gran número de experiencias sexuales que el artista solía tener, parte de ellas llevadas a cabo casi como rituales satánicos. A pesar de estar comprometido con su gran amor Pamela Courson esto no le impedía disfrutar de la evasión constante de la realidad que le proporcionaba el placer sexual con otras mujeres:

Blake decía que el cuerpo era la cárcel del alma y sólo con el sexo practicado con los cinco sentidos, los cuales constituyen las ventanas del alma, se consigue llegar a una experiencia mística”.

Dada la maestría instrumental y la versatilidad musical con la que contaban sus miembros, The Doors fueron capaces de acogerse a numerosos estilos musicales y así lo demostraron posteriormente a su álbum homónimo. Ejemplo de ello fue la canción de pop comercial Hello, I Love You” procedente del álbum de 1968 “Waiting for the sun” que tuvo un gran éxito alcanzando el número 1 en listas.

El grupo fue demandado por el líder del grupo de rock inglés “The Kinks”, Ray Davies, porque supuestamente esta canción había sido un plagio de su éxito “All day and all of the night”. Finalmente la demanda falló a favor de “The Doors”.

La canción va dirigida a una atractiva mujer afroamericana que paseaba por la playa de Venice en el verano de 1965. La letra habla sobre seducción e incluye ciertas connotaciones sexuales:

“La acera se agacha a sus pies

como un perro que suplica algo dulce

¿esperas conseguirla,tú estúpido?

¿esperas tener cojones para

llevarte esta joya morena?

Jim Morrison demostró que también se pueden hacer grandes letras para canciones más ligeras y dirigidas a un público más general, haciendo una vez más gala de su talento para la escritura.

A medida que acrecentaba su fama y éxito, la decadencia personal y física de Jim Morrison también lo hacía y con ello sus espectáculos en el escenario, que cada vez se volvían más bizarros y controvertidos. El encanto que sentía por dominar a las masas le llevaba en múltiples ocasiones a conducir al público hacia el descontrol y el desenfreno. Constantes eran las provocaciones y ello acabó en una noche de concierto en Miami en 1969 que derivó en una demanda por exhibicionismo y lenguaje obsceno.

Desde el comienzo del concierto, Morrison hizo alarde de su capacidad de líder y se propuso satisfacer la curiosidad que sentía por el dominio de las masas. Motivó a la audiencia a abrirse paso hacia la libertad mediante varios discursos entre canción y canción. Aquel 1 de marzo de 1969 Jim no fue a hacer música. Empezó a gritar a la gente del público que se desnudara y subiera al escenario. Ese día el aforo superaba el doble de su capacidad y el ambiente resultaba sofocante:

Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse. Estoy hablando de pasarlo bien, Estoy hablando de pasarlo bien este verano. Todos, venid a L.A., salid de aquí, vamos a acostarnos en la arena y a enterrar nuestros dedos en el océano, y vamos a pasarlo bien. ¿Estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos? Hitler está vivo, anoche me lo follé….. ama a tu vecino hasta que le duela…”

Comenzó a improvisar las letras de sus canciones entre la confusión del resto de los músicos hasta que empezó a gritar de nuevo:

¡¡ Sois un puñado de jodidos esclavos !!

Dejais que todo el mundo os empuje de acá para allá;

¿qué vais a hacer al respecto? ¿qué vais a hacer al respecto? ¿qué vais a hacer?”

Posteriormente tras varios discursos procedería a simular que se sacaba el pene y fingía una masturbación frente al público. Aunque algunos testigos afirman tal hecho; los miembros de la banda y el propio Jim no recuerdan haber realizado tal acto. Todo había sido teatro y Jim quería comprobar hasta dónde llegaría la implicación del público.

Por aquel incidente la imagen de la banda se vio resentida pero no consideraron que su espectáculo hubiera resultado ofensivo y defendieron que simplemente estaban experimentando con la realidad por la pura curiosidad que le suscitaba a Jim. Aquel acontecimiento logró situarlo en una posición decadente :

Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando a mi alrededor. Y a eso le puse fin en una gloriosa tarde”.

El incidente quedó sin resolver pero aquello marcaría la etapa final de la gloriosa trayectoria de The Doors y la imagen de Jim Morrison, que pasó a convertirse de un símbolo sexual de la contracultura a la de artista prófugo. Se dejó crecer una banda frondosa y acostumbraba a llevar unas gafas de sol.

En aquella etapa The Doors era consciente de la fuerte declaración musical que debía realizar para reducir sus detractores. Los dos álbumes posteriores, “Morrison Hotel” (1970) y “L.A. Woman” (1971) resultaron ser una vuelta al rock de los orígenes. “Morrison Hotel”, en primera instancia, fue un álbum que combinaba canciones con marcados riffs de blues junto con canciones que mantenían sus característicos acordes de jazz y letras cósmicas.

Morrison estaba pasando por una crisis nerviosa por la preocupación del juicio de Miami y su frustración por el bache creativo que estaba atravesando ya que consideraba que sus letras estaban perdiendo profundidad. Además, pese a ello, el quinto y último álbum grabado antes de la muerte de Jim, “L.A. Woman”, fue considerado por la crítica como el mejor disco de la banda y la “Rolling Stone” lo catalogó en el puesto 362 entre los 500 mejores discos de la historia.

L.A. Woman” es un disco bluesero que contiene una cover de “Crawling King Snake” de John Lee Hooker. Por aquel entonces Jim Morrison contaba con una voz ronca debido al exceso de alcohol y drogas.

La canción L.A. Woman es un rock que habla de la ciudad de Los Ángeles, ciudad en la que pasó la mayor parte de su vida y donde se encontraba la discográfica Elektra Records. El tema dura 8 minutos y Jim refleja lo cansado que está de la vida de Los Ángeles. En aquel período se le acumularon el acoso de la prensa (por el incidente de Miami), las demandas judiciales, los fans, la presión del nuevo disco. Jim le canta a la ciudad personificada en mujer ya que el juego de palabras LA se lo permite. Morrison sufría la soledad de una ciudad que le daba la espalda.

Driving down your freeways, Midnight alleys roam. Cops in cars(…)
(Conduciendo por las autopistas, vagando por los callejones de madrugada. Policías en sus coches…)

La inquietante curiosidad de la canción es que Jim canta “Motel, money, murder, madness” (Hotel, dinero,asesinato, locura). Meses después, se trasladaría a Paris con su novia Pam para ejercer su verdadera vocación: ser poeta. Pero su cambio de aires sólo duró seis meses. El 3 de julio de 1971 falleció en la bañera de un hotel de París, según el médico, por un ataque al corazón provocado por una sobredosis de mala heroína que, al parecer, le había comprado a unos individuos en el bar bohemio que solía frecuentar, el Rock and Roll Circus.

No se le realizó autopsia y sólo el médico y su novia Pam fueron los únicos que vieron el cadáver de Morrison, lo que alimentó durante años el mito de que en realidad no falleció y lo único que deseaba era retirarse de la escena popular. Pam, también enganchada a la heroína, le acompañó tres años más tarde. Este se encuentra enterrado en París rodeado de regalos y homenajes de sus fans.

En otro de los puentes de la canción Jim dice “Mr Mojo Risin’ ”(Mr. Mojo se eleva) que resulta ser un anagrama de su nombre y que se convirtió en otro apodo más junto con el de “Lizard King” (Rey Lagarto). Desde pequeño a Jim le fascinaban las criaturas del desierto y todo lo relacionado con las creencias espirituales alternativas como el ocultismo. Mojo es un término específico religioso que describe al Shaman dentro de la brujería Africana Voodoo. La raíz Mo significa oscuridad lo que deja clarividente su relación con el mundo místico.

The Doors surgió en pleno conflicto bélico entre EEUU y Vietnam. Hablamos de 1965, una época donde comienzan a emanar gran cantidad de movimientos juveniles manifestando su oposición a la guerra. Entre ellos, el más popularizado y el que logró una gran masificación en la sociedad de EEUU fue el movimiento hippie. Este movimiento nacido en San Francisco se caracterizaba por sus valores pacifistas y libertarios rechazando la violencia y los valores homogéneos que implantaba la sociedad. Así, a partir de 1965 miles de jóvenes partieron de sus casas en búsqueda de otras alternativas de vida las cuales no estuvieran supeditadas por el confort y la tecnología emergente. En su defecto, estos jóvenes buscaron su felicidad basándose en el retorno a la naturaleza, en la búsqueda de la paz y la alegría y en la práctica del sexo libre sin opresiones ni prejuicios.

A este clima juvenil se sumaron la gran mayoría de los grupos musicales más populares de la época; tanto estadounidenses como procedentes del panorama británico. Estos producían en varios sentidos obras críticas contra el sistema tradicional establecido. Aparecieron, pues, tendencias musicales como la canción protesta (Bob Dylan, Joan Baez, Neil Young), la psicodelia (Pink Floyd,The Doors, Beatles), el rock progresivo (Grateful Dead,Jefferson Airplane), el blues (Rolling Stones,Beatles, The Doors). De la práctica de otras creencias y costumbres culturales en contra de la occidental surgieron curiosidades varias como el raga-rock que consistía en un rock con tintes hindúes donde se practicaban riffs de guitarra y melodías que pretendían emular el sonido de un sítar mediante el uso de las escalas hindúes denominadas raga.

Numerosos han sido los grupos que, al menos, experimentaron con el raga-rock en alguna ocasión aunque fue sobre todo en los años 60 la época de mayor auge. Grupos como The Byrds (“Why”,”Eight Miles High”), The Beatles (“Norwegian Wood”, “Love you to”, “Within you without you” ), The Kinks (“See my friends”), Rolling Stones (“Paint it black”),The Doors (“The End”, “Indian Summer”), The Velvet Underground (“Venus in furs”) lograron una especie de género híbrido entre la música oriental y occidental.

Muchas otras transformaciones musicales sucedieron en aquella época. Fruto de, entre otros factores, la irrupción del LSD y la marihuana, las figuras del rock se encontrarían con una ventana abierta a nuevas formas de comunicar musicalmente. Los nuevos creadores trajeron consigo las vanguardias artísticas abriendo sus horizontes creativos y rompiendo así los patrones musicales tradicionales, dando paso a un nuevo panorama con mayor libertad de creación, el acid rock y la psicodelia.

Aunque se tiende a enclavar a los Doors en la psicodelia inherente a su contexto cultural, la verdad es que se trata de un grupo único e inclasificable, rico en texturas y estructuras sónicas. En “The Doors” encontramos retazos rock, pop, blues y psicodelia envueltos en la poderosa voz de Morrison. Temas como “Break on through”, “The End” o “Light my fire” permanecen como unas de las composiciones que han sobrevivido a su tiempo.

Al margen de la situación y el ambiente sonriente y de felicidad que se respiraba en California se encontraba The Doors, haciendo alarde de su rebeldía frente al sistema y reaccionando ante cualquier manifiesto de autoridad. Frente a los valores que defendían los hippies, The Doors se mantuvo dentro de una estela de oscuridad y misticismo que así reflejaron tanto sus canciones como letras, repletas de simbolismo y misterio junto con una particular visión acerca de la realidad de Jim Morrison. Personaje iconoclasta , controvertido, antipositivista y atraído por creencias alternativas pronto se hizo un sitio entre los iconos de la contracultura que reinaba en la época.

30040c8dad3049ca37ce699c1d5fa

Crítica cinematográfica: “I’M NOT THERE”

bob dylan

Esta es la historia de una leyenda, un superviviente, una inspiración para poetas, escritores y músicos. Esta es la historia de alguien que supo transmitir la mirada folk a la sociedad contemporánea y también es la de alguien que rompió con sus cadenas para fusionarlo con el rock. Esta no es la historia de Bob Dylan. Esta es la historia de un mito.

“I’m not there” es un retrato inusual, no es un biopic como los demás. Si esperamos encontrarnos con una película planteada desde una perspectiva formal lo más seguro es que no estemos preparados para interaccionar con lo que esta obra puede ofrecerle a nuestros ojos. El autor, Todd Haynes, arriesga a romper con las convenciones formales narrativas y, en su lugar, apuesta por la creatividad e imaginación dotando al relato de un carácter irregular, hipnótico y, en ocasiones, incluso lisérgico.

Esta particular obra se adentra más bien en la experimentación de las estructuras fílmicas, lo que termina por convertirse en un producto visual muy dificil de etiquetar y clasificar. Todd Haynes ya lleva consigo obras que le han valido un Oscar, un Globo de Oro y premios en Cannes y Venecia por “Velvet Goldmine” (1998), una película protagonizada por Jonathan Rhys Meyers y Ewan McgGregor que trata sobre dos personajes ubicados en la época glam fuertemente inspirados en las figuras de David Bowie e Iggy Pop; y “Lejos del cielo” (2002), historia que denuncia la hipocresía de la sociedad estadounidense de los años 50.

6 capítulos aparentemente discordantes de la vida de Bob Dylan con 6 actores distintos son la columna vertebral de “I’m not there“. En orden de aparición, Marcus Carl Franklin, Ben Whisaw, Heath Ledger, Christian Bale, una genial Cate Blanchett cuya interpretación le dotó del Globo de Oro y la nominación al Oscar como mejor actriz secundaria; y Richard Gere encarnan, cada uno de forma totalmente aislada, ciertos episodios “dylanescos” que el espectador familiarizado puede o, mejor dicho, debe relacionar con la vida personal y profesional del mito prolífico de la música folk/ rock. No se trata de contarlo sino más bien de mostrarlo.

La pelicula refleja una realidad que como algunos críticos afirman se aproxima más a la idea de “simulacro” que a la de representación real del personaje en cuestión. Así, se explica que para un espectador novel en la vida y acontecimientos de Dylan este aprecie con mayor clarividencia la inconexión entre sus partes, sus cambios de contexto totalmente alejados de la lógica del argumento y que los protagonistas sean personas distintas con diferentes nombres; incluso Todd Haynes no discrimina en este aspecto ni género (Cate Blanchett) ni raza (Marcus Carl Franklin).

Lo que nos encontramos, pues, es una muestra de la imagen “cubista” que Dylan ha ofrecido durante el período de los 60 y 70. De joven apasionado por la poesía de Rimbaud y el folk de Woody Guthrie a la época country ermitaña y casi emulando a Billy El Niño (compuso la banda sonora e incluso actuó en la película de Sam Peckinpah) pasando por el período rock alegórico de Carnaby Street dentro de una burbuja anfetamínica y de vigilia. Dylan constituye perfectamente la doble figura de ídolo y traidor de sus orígenes.

La escena del film que más llama la atención la compone Ballad of a Thin Man coverizada por “Stephen Malkmus and The Million Dollar Bashers”. Esta escena interpretada por Cate Blanchett constituye la visión más surrealista, ingeniosa y sorprendente del film. La canción sobre aquel Mr. Jones que se encuentra en una habitación rodeado de cosas culturamente no aceptadas que no comprende. La escena mas bien parece un videoclip en el cual el personaje Keenan Jones, periodista que no entiende y critica las letras del artista Jude Quinn, se encuentra en una pesadilla en la que no da crédito a lo que está ocurriendo a su alrededor.

En definitiva, “I’m not there” es un trabajo realizado con el mayor de los mimos, con actores de primer nivel y un montaje que le confiere la categoría de una de las mejores peliculas de 2007. Una obra actual vanguardista, sorprendente en su forma de narrar, generosa en su banda sonora, ingeniosa y bizarra que resulta imprescindible en todo catálogo fílmico de cualquier amante de la música y mente nostálgica como la de un servidor.

Hello world!

¡Hola a todos! Os doy la bienvenida a mi pequeño rincón donde quisiera compartir con vosotros algunos de los trabajos que he logrado rescatar de mi etapa universitaria. Mi objetivo no es otro que conformar una especie de portafolio en donde se haga constancia de mi experiencia en el campo de la comunicación audiovisual. A partir de este convertir aquello aprendido todos estos años en realidad, transformar mi visión del mundo en mi trabajo y crear arte a partir de mis influencias.

Hi everybody! You’re welcome to my blog site where I would like to share with you some of my works I did when I was at university. My target is to create a portfolio and show you my communication skills learned all those years. Trying to turn all my knowledge in reality, turning my world’s vision in a work and make art from my influences.